You are currently viewing АУДИОГИД К ВЫСТАВКЕ «НЕНАЗЫВАЕМОЕ»

Вступительный текст

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Добро пожаловать на выставку «Неназываемое» в Арсенале! В экспозицию выставки вошли произведения из коллекции Московского музея современного искусства (MMOMA), созданные знаковыми русскими художниками с 20-х годов 20 века по наши дни, а также работы приглашенных художников из Нижнего Новгорода. 

Что же такое «неназываемое»? Этого понятия нет в словарях, но мы остро ощущаем присутствие неназываемого в окружающей реальности, ведь каждый из нас постоянно сталкивается с какими-то явлениями или событиями, которые вызывают вопросы, которые сложно осмыслить, которые выбивают почву из-под ног. Это то, что невозможно не заметить, но сложно описать. Это и есть неназываемое.

Многие писатели, художники, поэты и философы в разные периоды истории изучали это понятие. Художники наиболее близко подходят к области неназываемого, исследуя зазоры между означаемым и означающим, деконструируя идеологические образы и общественные мифологии, проникая вглубь сложных и гетерогенных историй. Они обращаются к семантическим цепочкам и высвечивают узлы неназываемого, схватывая их проявления и следы присутствия посредством художественного языка.

Вся экспозиция делится на три больших блока, каждому из которых отведено по залу. В первом блоке «Археология неназываемого» мы рассматриваем проявления неназываемого. Второй блок — «Зыбкое пространство», где мы изучаем пограничные зоны, в которых возникает неназываемое. И третий блок «Действие-неподвижность» посвящен тому, как художники работают с неназываемым, через какие средства они к нему обращаются. 

Первый раздел «Археология неназываемого» раскрывает выделенные кураторами четыре области или поля его существования или становления: «Рождение и смерть», «Означаемое и означающее», «Воображаемое и сознательное», «Память и история».

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Здравствуйте! Приветствуем вас на выставке «Неназываемое». 

В эту выставку вошли произведения, созданные знаковыми русскими художниками с 20-х годов 20 века по наши дни. Их привезли из коллекции Московского музея современного искусства (MMOMA). Также на выставке есть работы приглашенных художников из Нижнего Новгорода. 

Что же такое «неназываемое»? Каждый из нас постоянно сталкивается с событиями, которые вызывают вопросы. Мы замечаем это, но не можем осмыслить и описать. Это и есть неназываемое.

Многие писатели, художники, поэты в разные периоды истории обращались к этому понятию. На выставке мы увидим произведения искусства о неназываемом. 

Вперед!

Владимир Янкилевский. «Адам и Ева». 2005 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Работа «Адам и Ева» — это триптих, форма, которую художник Владимир Янкилевский часто использовал в своем творчестве. В центре триптиха — лифт, одна часть которого с половиной мужской фигуры едет вверх, вторая — с половиной женской фигуры — вниз. Это манекены, они одеты в старую одежду из личного гардероба художника и его жены и просто в найденные вещи. На правой и левой части триптиха — различные символы мужского и женского начала. Собственно, вся эта работа и посвящена взаимоотношениям мужского и женского. Лифт разъезжается в разные стороны, и это символизирует, что героям произведения никогда до конца не понять друг друга. Работа Янкилевского находится в разделе «Археология неназываемого» потому, что деление мира на мужское и женское — очень древнее и стойкое. Художника всю жизнь волновало то, что из-за этого изначального разделения люди часто не понимают друг друга и обречены на страдания. Интерес к этой теме он пронес через все свое творчество, хотя его личная жизнь сложилась достаточно удачно — со своей замечательной женой художник прожил долгие годы. 

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Это триптих, произведение из трёх частей. В центре — лифт. Одна часть лифта — с половиной мужской фигуры едет вверх. Вторая часть — с половиной женской фигуры едет вниз. Это манекены, одетые в старую одежду художника и его жены. На правой и левой части триптиха — различные символы мужского и женского начала. Эта работа посвящена взаимоотношениям мужского и женского. Разделение людей ведет к непониманию и страданию в отношениях. Лифт разъезжается в разные стороны, это символ того, что героям произведения никогда до конца не понять друг друга.

Дмитрий Пригов. Эскизы инсталляции из серии «Для бедной уборщицы». 1990-е годы

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

В 90-е годы Дмитрий Пригов создал несколько сотен эскизов к проекту «Для бедной уборщицы». Десять из них находятся в коллекции Московского музея современного искусства. По сути это эскизы к инсталляции, но по замыслу художника, они сами по себе представляли самостоятельное произведение. Для Пригова в творчестве была важна процессуальность, несколько ритуальный момент погружения в определенное состояние, поэтому будет ли сама инсталляция реализована, было для него не так уж важно. Он говорил, что его инсталляции — это фантомы, которые «живут в небесном ангельском мире, в ритуальной стране с ее чистыми обитателями». 

На одном из этих эскизов главная героиня — бедная уборщица — как бы левитирует, стоя на коленях, между двух огромных великанских голов. Она изображена спиной к нам и молится на огромное око, находящееся напротив нее, из которого капает кровь. Звучит немного угнетающе, но сам Пригов не ставил перед собой задачу создать мрачное настроение. Скорее он исследует, как всем известные символы взаимодействуют друг с другом и складываются в многослойное, с точки зрения истории культуры, произведение. В основе концепции искусства Пригова лежит многослойная структура исторических и культурных уровней, где наравне с современными символами просвечивают морфологии прошлого. Так возникновение новых культурных феноменов происходит в процессе угасания старых, передающих свою энергию последующим.

Об этом стоит помнить, глядя на работы Пригова. Например, в этой серии эскизов есть три основных цвета: белый, черный и красный. Какие культурные коды скрываются за этим сочетанием? В первую очередь, белый, черный и красный квадраты Казимира Малевича. А глаз — это один из главных архетипов в истории культуры. Огромный глаз, обращенный на главную героиню на эскизе Пригова — это и Глаз Божий, и Всевидящее око власти, и зеркало души, и зеркало, в котором отражается наша действительность, и глаз самого автора, художника и демиурга. Эта многослойность и скольжение от интерпретации к интерпретации позволили кураторам выставки поместить эскизы Пригова в той части экспозиции, которая относится к теме «Означаемое и означающее».

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

В 90-е годы Дмитрий Пригов работал над проектом «Для бедной уборщицы». К нему он создавал много эскизов. Для художника был важен сам процесс подготовки проекта, погружение. Эти эскизы интересны как полноценное произведение искусства. 

Вот один из эскизов. Бедная уборщица молится на некое око, из которого капает кровь. У Пригова не было задачи создать мрачное настроение. Он исследует, как всем известные символы взаимодействуют друг с другом.

Например, огромный глаз — это один из главных символов в истории культуры. Этот глаз напоминает нам и Глаз Божий, и Всевидящее око власти, и зеркало души, и глаз самого автора.

Леонид Соков. «Нечто русское». 1997 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Автора работы «Нечто русское» Леонида Сокова причисляют к первопроходцам соцарта. Изначально его творчество — это реакция на монополию соцреализма в официальном искусстве. Но это не значит, что его интересовала политика. В своих работах Соков не полемизировал с государством, он выявлял, демонстрировал и ставил под сомнение знаковые системы, которые были частью советской действительности. 

Художник умел, используя понятный и ироничный художественный язык, поднимать сложные темы. После развала Советского Союза Леонид Соков продолжил заниматься анализом и деконструкцией существующих в современном обществе мифов, которые многие люди принимают за данность. Именно к этому периоду относится работа «Нечто русское». Художник обратился к нашим коллективным представлениям об особенностях национального характера, которые складывались веками, по-разному осмыслялись писателями и поэтами. Соков апеллирует к расхожей идее, что русские — это такой лохматый темный народ, который умом не понять. Он создает визуальное отражение этой идеи — волосатый шар размером с голову человека без каких-либо отдельных черт. Волосы как материал придают работе еще один смысловой слой, ведь в традиционной русской культуре отношение к волосам всегда было особенным. Тут можно вспомнить и многочисленные правила «ношения» волос, и исторические курьезы вроде петровского бритья бород. Через всю историю проходит непонятное и почти магическое отношение к этому предмету. Все это иронически подмечает и высвечивает Леонид Соков в своей работе, демонстрируя миф и разрушая его с помощью вторичной мистификации.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Художник умел рассуждать на сложные темы понятно и иронично. После развала Советского Союза он занимался анализом мифов, существующих в обществе. Произведение «Нечто русское» — это попытка художника показать представления о том, кто такой русский человек. Это понимание складывалось веками. 

Соков изучает разные идеи. Например, что русские — это такой лохматый темный народ. Умом русского не понять. И Соков создает визуальное отражение этой идеи — непонятное бесформенное волосатое чудище. 

Волосы придают работе еще один смысл. В традиционной русской культуре отношение к волосам всегда было особенным. Например, петровское бритьё бород. Через всю историю проходит непонятное и почти магическое отношение к волосам. Леонид Соков подмечает это и иронически показывает в своей работе.

Ирина Корина. «Трибуна». Из проекта «Взвейтесь кострами». 2012 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Ирина Корина создаёт объекты собственной реальности, которые очень хорошо соотносятся с реальностью общественной, исторической, пройденной и хорошо узнаваемой нами. Это могут быть и архитектурные детали, и характерный тканевый узор, и маркеры стилей в искусстве, и всё что угодно. Главным проводником в построении пространств и объектов становится материал.

Проект «Взвейтесь кострами» — это воспоминание о советском времени и пионерском детстве. Если Леонид Соков деконструирует наши представления о «русскости», то Корина напоминает о клише, связанных с советским прошлым: колхозники, выступающие на съездах и собраниях, летние детские лагеря с линейками и построениями… Работа «Трибуна» представляет из себя окрашенную в нейтральный серый цвет кафедру, по форме напоминающую архитектоны Малевича. На ней, как пьедестале, стоит женский бюст, собранный из хлебобулочных изделий. А довершает образ цветастый павловопосадский платок. За каждым из предметов, использованных в инсталляции, выстраивается свой ассоциативный ряд, это часть общего культурного кода.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

В творчестве художницы Ирины Кориной очень важны материалы, которые она использует в работе. Это материалы, которые легко узнать. Художница выхватывает их из современной жизни и создает с их помощью диковинные объекты. 

Работа «Взвейтесь кострами» — это воспоминание о советском времени и пионерском детстве. Выступления с трибуны, бабушкины платочки, летние детские лагеря с линейками и построениями… Каждый из предметов в инсталляции — это часть общего культурного кода. Каждый предмет вызывает воспоминания и несет свою историю.

Евгений Рухин. Без названия. 1975 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Если в первом разделе «Археология неназываемого» мы рассказывали, что мы понимаем под словом «неназываемое», то второй раздел «Зыбкое пространство» посвящен тому, где с ним можно встретиться. Оно проявляется на покинутых и заброшенных территориях или в местах отчуждения. Иной раз оно встречается на пограничных участках между грёзами и реальностью, мерцает в разряженном воздухе воспоминаний, фантазий и ожиданий.

Евгений Рухин — представитель русского неофициального искусства. Этот художник в своем творчестве пытался найти новые формы самовыражения. Ему хотелось делать что-то, соответствующее последним тенденциям развития западного искусства или интересное западным зрителям и покупателям. Поэтому в своих работах он использовал, например, мотивы иконописи, в частности разработал прием создания оттиска металлической иконы на холсте. 

Рухин в искусстве обращается к теме памяти и истории. Он впечатывает в холст в чувственной экспрессивной манере фрагменты окружающей повседневности и осколки былых времен. На выставке представлен ассамбляж художника. На сером, пастозно загрунтованном полотне выделяется распластанный фрагмент золоченого кресла. Он как бы вывернут наизнанку: между деревянными ножками натянута красная ткань. Создается впечатление разорванной плоти, отсылающей к «мясным» натюрмортам голландцев.

Это произведение говорит о неустойчивом пространстве времени, в котором наравне с настоящим сосуществуют осколки прошлого, не собирающиеся в единое целое.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Следующий раздел — «Зыбкое пространство». Где же мы можем встретить неназываемое? 

Художник Евгений Рухин обращается к теме памяти и истории. Работа «Без названия» — это фрагмент кресла, на который натянута ткань. И он будто кричит своим кроваво-красным цветом. Почему эта работа в зыбком пространстве? С одной стороны, это сохранившаяся деталь прошлого. С другой стороны, это всего лишь фрагмент. Он расколот, сделать из него целое уже не получится. Такие заброшенные осколки разрастаются и создают целые пространства опустошения. Там можно встретить «неназываемое».

Арт-группа «Синий суп». «Эшелон». 2006 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Осколки и фрагменты прошлого, упоминавшиеся в связи с работой Евгения Рухина, разрастаются и создают целые территории опустошения. Именно такое опустевшее пространство мы видим в работе арт-группы «Синий суп», которая называется «Эшелон». Эта инсталляция состоит из трех масштабных видеоизображений. На двух настенных проекциях однотипные вагоны поезда и грузовики беспрерывно движутся через мрачный безлюдный пейзаж. На напольной проекции зритель смотрит на зеленеющий ландшафт средней полосы России через люк летящего самолета, периодически сбрасывающего на землю загадочный груз. 

Пустынное пространство, в которое переносит зрителя инсталляция, воспринимается как забытое и заброшенное. Непрерывное движение техники вызывает чувство тревоги и страха, незавершенности и неопределенности. Погружаясь в атмосферу произведения, мы существуем будто в подвешенном состоянии, в вакууме, где ничего не происходит. Это застывшая пограничная территория, место отчуждения, где время остановилось.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Мы видим опустевшее пространство. Мы проходим через видеоинсталляцию. С одной стороны, чувствуем: изображено какое-то забытое место. С другой стороны, там проезжают военные машины. Техника проезжает, и остается только песок в воздухе. 

Мы оказываемся в месте, где ничего не происходит, а военная техника лишь вызывает чувство тревоги. Это застывшая территория, где нет времени. Мы как будто не там и не тут, а где-то между.

Павел Пепперштейн. «Флаги в пустыне». 2005 год.

Антон Мороков. Из серии «В ожидании правильного ветра». 2021 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

К состоянию подвешенности, в которое нас погружает работа арт-группы «Синий суп», в своих произведениях обращаются также Павел Пепперштейн и Антон Мороков. В работах обоих художников есть ощущение ожидания. На триптихе Пепперштейна изображена пустыня, на горизонте без признаков человеческого вмешательства движутся зеленые флаги. Зритель видит направление движения, но в мареве окружающего пейзажа никакого развития не происходит. 

В 2000-х годах после распада группы «Медицинская герменевтика» Пепперштейн стал разрабатывать тему утопического будущего России, в котором не будет противостояния между двумя столицами, но возникнет новое пространство, некий новый город. Глядя на эти флаги, можно предположить, что этот переход через пустыню — трансферная зона движения к чему-то новому. Однако статичность изображенных флагов и отсутствие персонажей вызывают сомнение, что из этого пограничного состояния есть какой-то выход. В триптихе преобладает зеленый цвет, о котором Кандинский говорил, что он «…никуда не движется и не имеет признаков радости, печали или старости. Он ничего не требует и никуда не зовет. Самодовольный, ограниченный элемент». 

Серия Антона Морокова также отсылает к флагам. На одной из его работ «Зажечь сердца, но не сейчас» изображена композиция из флага и стрелы, воткнутых в землю. Гибкое древко флага петлей огибает стрелу, торчащую оперением вверх, и свисает. Красное полотно струится вниз, закрывая наконечник стрелы. В этой и других работах серии художник предлагает критически переосмыслить природу флага как чего-то зовущего, агитирующего. Создавая ситуацию замершего действия, он побуждает обратиться не вовне, а внутрь себя. В образующемся поле ожидания может произойти что угодно, но конкретных ответов это пространство не дает. Оно хранит обещание.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Павел Пепперштейн «Флаги в пустыне», 2005

На триптихе Пепперштейна изображена пустыня. На горизонте идут флаги, но людей не видно. Есть направление движения, но ничего не происходит, это бесконечный замерший процесс. 

Может быть, этот переход через пустыню — переход к чему-то новому? Но персонажей нет… Будет ли что-то после? В работе много зеленого цвета. Зеленое пространство неподвижности погружает в состояние ожидания. Что-то должно произойти, но не происходит.

 Антон Мороков «В ожидании правильного ветра», 2021

Серия Антона Морокова тоже посвящена флагам. Художник говорит, что пространство его работ хранит ожидание чего-то. И в этом пространстве ожидания как раз потенциально возможно все: можно реализовать любые идеи. В этом пространстве есть пустота и полнота, рождение и смерть.

Аня Жёлудь (Анна Желудковская). «Схема пространства элементарного счастья». 2009

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Говоря о внутреннем состоянии человека, мы касаемся темы идентификации и поисков устойчивых форм в зыбком пространстве, самоопределений и места в обществе.

Аня Желудь работает с формой, предметом, выявляя их внутреннюю основу, законы их функционирования. Художницу интересует взаимодействие человека с миром вещей, проблема вытесняемости человека вещью, принадлежности тела живой и не живой природе, организации пространства и изменения среды. 

Инсталляция «Схема пространства элементарного счастья» выстраивается из нескольких моделей предметов, свойственных повседневному быту. Они выполнены в виде контуров из металлических прутьев. Это предметы, с которыми человек взаимодействует каждый день, вроде спального места, стойки для хранения одежды, стола и стула для приёма пищи. Гипотетически совсем хорошо, когда имеется картина на стене — для радости глаз, и прикроватный коврик — есть куда спустить ноги, поднимаясь после сна. Инсталляция Ани Жёлудь — это идея локального, частного рая, уложенная в холодную схематичную упаковку. Гнутый железный прут, образующий «схему счастья», как бы прочерчивает график, призванный регистрировать гармоничное самочувствие.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Творчество художницы Анны Желудь — это попытка найти себя. Анна пытается найти рецепт идеального счастья. В этом пространстве есть элементарный набор для жизни двоих людей. Здесь есть и кровать, и шкаф, и коврик, и картина на стене — все то, что необходимо для обычного быта. Рай, уложенный в холодную схематичную упаковку.

Ольга Чернышева. Из серии «Панорама». 2005 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

В последней части «Действие/неподвижность» поднимается вопрос о возможных механизмах обращения с неназываемым. Реагируя на действительность, авторы в различные исторические периоды практиковали замедление как реакцию на ускоряющиеся внешние процессы; уход в воображаемые и спроецированные миры как рефлексию невозможности жеста и высказывания в обществе контроля; прямое обращение к табуированному и «бесформенному»; наблюдение и поиски импринтов неназываемого; остранение и пересборку нестабильного и фрагментированного настоящего.

К настоящему, а точнее к отпечатку прошлого в настоящем, обращается в серии «Панорама» Ольга Чернышева. Она высвечивает «швы» сложных взаимоотношений между идеологическими намерениями, действительностью и воображаемым.

Идею создания этого произведения подсказала круговая кинопанорама, открывшаяся в 1950-х годах на ВДНХ. Это был своеобразный ответ Советского Союза Западу, символизирующий установку страны на технологический прогресс. На таких кинопанорамах изначально показывали красивые туристические виды, различные живописные уголки страны, активных людей, занимающихся спортом… 

Проект создавался в спешке в ходе подготовки к открытию обновленной ВДНХ, кинопанорамы собирали из имеющихся материалов, при этом идеальной стыковки между экранами достичь не удалось — стыки были закрыты черными полосами. 

Выведя панораму из контекста кинопроизводства, Чернышева пересобирает через живопись потенциал кинокадра. Он обращен теперь уже не к массовому зрителю с агитационным посланием, а к индивиду, к его воспоминаниям, давая возможность с некоторой критической дистанцией взглянуть на след истории. 

Художница воссоздает затёртые и мутные, будто старая плёнка, кадры Красной площади и горных дорог, сохраняя исходные стыки кинопанорамы, словно разрезающие изображение. Чернышева занимает позицию наблюдателя, который с долей отстраненности предъявляет «свидетельства» прошлого.

В 2006 году в статье о работе Ольги Чернышевой искусствовед и критик Екатерина Деготь задавалась вопросом, сохранится ли целиком произведение художницы, или его, как и оригинальную кинопанораму, снесет поток времени. Ответом на вопрос Екатерины Деготь может быть тот факт, что в коллекции Московского музея современного искусства сохранилось только четыре холста, четыре осколка этого художественного высказывания. Три из них представлены на выставке.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Идея создания этого произведения появилась из-за круговой кинопанорамы на ВДНХ в 1950 году. Это был своеобразный ответ нашей страны Западу, чтобы рассказать о новых технологиях Советского Союза. Проект этот создавался в спешке. Кинопанорамы собирали из имеющихся материалов. Идеальной стыковки между экранами достичь не удалось. Места стыков были закрыты черными полосами. 

На основе той кинопанорамы Ольга Чернышева создает живопись. В этой живописи остаются стыки — фрагменты истории без критической оценки. Художница занимает позицию наблюдателя, который с долей отстраненности демонстрирует сохранившиеся осколки прошлого. 

Евгений Юфит. «Уставшее солнце». 2011 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Евгений Юфит — российский, советский кинорежиссер, сценарист, художник, фотограф, один из основателей «параллельного кино». Идейные основы этого направления — отказ от искусственно красивого изображения, а также особое внимание к теме насилия и смерти. Появление параллельного кино было ответом на официальную идеологию Советского Союза, которая подразумевала постоянную готовность человека пожертвовать собой, думать о героической смерти во имя Родины и даже стремиться к ней. 

По сути, Юфит констатирует отсутствие жизни в ситуации, когда следование идеологическим принципам защищает интересы государства, а не индивида.

Евгений Юфит в своих фильмах исследовал, что происходит с психикой человека, постоянного думающего о смерти. Этой же теме посвящена картина Юфита «Уставшее солнце». Как правило, солнце — это символ жизни и процветания. Но в этой монохромной работе круг светила выглядит потемневшим и будто оккупированным какими-то чудовищами. Мрачной воронкой они закручивают и утяжеляют его так, что оно не может освещать и созидать. Вся энергия солнца какими-то злыми силами направлена в эту воронку, куда вслед за ним стремится и окружающая реальность.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Идеология Советского Союза подразумевала постоянную готовность человека пожертвовать собой во имя Родины. Евгений Юфит снимал фильмы. Он исследовал, что происходит с психикой человека, постоянного думающего о смерти. 

На выставке представлена картина Евгения Юфита, посвященная этой же теме — «Уставшее солнце». Как правило, солнце — это символ жизни и процветания. Но в этой работе светило будто оккупировано какими-то безумными существами. Мрачной воронкой они закручивают и утяжеляют солнце. Оно не может светить. Вся энергия солнца и окружающая реальность направлена в эту воронку.

Виктор Алимпиев. «Корона». 2012 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Эта видеоинсталляция была отобрана куратором 55-ой Венецианской биеннале Массимилиано Джони для участия в основном проекте в 2013 году. Запись представляет выступление французских актрис, поющих песню на мотив православного знаменного распева под музыку из концерта Альфреда Шнитке. Тела исполнительниц зажаты трибунами, обращенными в обратную сторону. Их движения будто скованы и блокированы кафедрами, которые не позволяют занять «открытое» положение. Руки актрис лежат на поверхностях кафедр ладонями вверх, иконографически отсылая к хрупкости и беззащитности. Однако текст, который они пропевают, содержит повелительные формулировки. В результате соединения подобных противоречий возникает образ сирены, морской обольстительницы, привлекающей путника обманчивой кротостью и открытостью. 

Сам Виктор Алимпиев говорит, что его видеоработы можно сравнить с партитурами, в них столько зазоров, пауз и воздуха, что по ним могут быть поставлены иные вариации произведения.

Работа Алимпиева многослойна. Она объединяет полистилистическую музыку Шнитке со знаменным распевом. При этом французские актрисы поют на русском языке, которого они не знают: одна в настоящем времени, другая — в будущем. Постепенное нарастание пафоса музыкального произведения прорывает происходящий в исполнении диссонанс. Он вносит чувство нестабильности, разрушая благозвучие.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Это музыкальное перформативное видео. За кафедрами стоят французские актрисы поют на мотив православного знаменного распева. 

Позы женщин зажаты, а трибуны обращены в обратную сторону. То есть посыл женщин обращен внутрь. Руки актрис лежат на поверхностях кафедр и ладонями вверх — это жест хрупкости и беззащитности. При этом текст, который они пропевают, содержит жесткие мотивы. В результате получается противоречие. Возникает образ сирены, морской обольстительницы, привлекающей путника обманчивой кротостью и открытостью.

Андрей Оленев. «Переход». 2021 год.

Андрей Монастырский (Сумнин). «Пушка». 1975 год

Аудиогид с элементами тифлокомментариев

Главный герой видеоработы Андрея Оленева — пространство, которое и поглощает, и испускает из себя персонажа. Зритель, как в компьютерной игре, видит происходящее глазами этого персонажа, который движется по строительному коридору, затем выходит из него на берег озера. Он опускает глаза, чтобы разуться на чистом песке, но снова посмотрев вперед, упирается взглядом в загазованную дорогу и пыльные городские здания. И вновь начинает движение по коридору. Произведение пронизано чувством тоски из-за разрыва между городом и природой, оно говорит о желании восстановить утерянную связь. Работа Оленева соразмерна человеческому росту, поэтому зритель, погружаясь в нее, следует за главным героем и проходит вместе с ним весь путь, чувствуя пустоту неназываемого. Есть ли возможность возобновить отношения или пришло время строить новые? Каждый решает для себя сам.

Тема пространства, живой, наполненной смыслами пустоты, обитает в «Пушке» Андрея Монастырского. Это объект с сюрпризом — пустой чёрный ящик с трубой: по инструкции, зритель должен смотреть в нее, одновременно нажимая на выключатель, расположенный на проводе сбоку. Кажется, что, когда нажимаешь на кнопку, ты должен что-то увидеть в ящике, например, вспышку света, видео или изображение. Но вместо этого раздается звук. Происходит обман ожиданий, и зритель остается в недоумении, задумываясь о том, что все не то, чем кажется. 

Название работы содержит дополнительный смысловой слой, слово «пушка» содержит в себе угрозу и вызывает опасение при первом знакомстве с объектом. Однако реальной угрозы не существует, это ожидание тоже не оправдывается. Не имея системы координат и точки опоры, в конце выставки зритель оказывается в ощущении пустоты.

Видео на русском жестовом языке

Проиграть видео

Андрей Монастырский «Пушка», 1976 

Это пустой черный ящик с трубой. По инструкции, зритель должен смотреть в нее, одновременно нажимая на выключатель на проводе сбоку. Кажется, что, когда нажимаешь на кнопку, в ящике что-то должно появиться. Например, вспышка света, видео или изображение. Но вместо этого раздается звук. Происходит обман ожиданий. Название работы содержит дополнительный смысл. Слово «пушка» вызывает опасение. Однако это ожидание тоже не оправдывается. Зритель оказывается в пустоте.

Андрей Оленев «Переход», 2021

Персонаж идет по строительному коридору. То выходит на берег, то снова оказывается в городе. В произведении есть чувство тоски из-за разрыва между городом и природой. Зритель погружается в произведение и проходит вместе с главным героем весь путь. Зритель ощущает этот разрыв, который по сути и есть нечто неназываемое.